"EL MUNDO DE MARTA"
El arte es el placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también ésta tiene alma.

Auguste Rodin

Alumnos, as: ahora pueden comenzar a subir sus textos sobre la obra de Marta...

Encuesta HUMANISTAS

Estimados estudiantes:
Con el fin de evaluar esta herramienta tecnológica les invito a contestar esta breve encuesta en donde podrán comentar la percepción que tienen sobre el blog creado con el fin de apoyar su aprendizaje.

1. ¿Crees que esta herramienta te ha servido como apoyo a tu aprendizaje en la asignatura de lenguaje y comunicación?
2. ¿Cuánto tiempo destinas de la semana aproximadamente a contestar y enviar los trabajos solicitados por el profesor?
3. ¿Crees que el blog ha sido un apoyo para desarrollar la capacidad escrita propia de la asignatura? Fundamente
4. ¿Qué dificultades has tenido cuando debes enviar algún trabajo al blog? Explique.
5. ¿Sientes que esta herramienta te ha ayudado a desarrollar tu creatividad?
6. ¿Con cuanta frecuencia visitas el blog? responda según la cantidad de veces por semana en que visitas el blog.
7. Haz un comentario de acuerdo a tus perspectivas sobre el trabajo desarrollado en el blog.
8. Entrega una propuesta de trabajo que permita potenciar y mejorar el trabajo con esta herramienta. Entre cinco y diez líneas.

"Violeta se fue a los cielos"

Esta recién estrenada película retrata la vida y obra de nuestra querida poetisa, pintora, escritora, cantante Violeta Parra, está basada en el libro del mismo nombre escrito por su hijo Ángel .  Una película dinámica, que no sigue todo el tiempo una misma línea de hechos,  sino que avanza y retrocede, muestra una Violeta de niña, una Violeta madura, y así, va jugando con el espectador a adivinar qué Violeta se muestra en cada uno de los 110 minutos que dura el largometraje.

Andrés Wood también hizo una obra de arte resumiendo la vida de esta completa artista, plasmando perfectamente sus viajes, alegrías, angustias, amores y tragedias. Tanto así que tan sólo su estreno contó con seis mil personas y ha sido un éxito en los cines del país. Para los amantes de la música, para los que les llama la atención el cine nacional, para los que les conmueve Violeta Parra, esta película les encantará.

Como una crítica más personal, puedo decir que esta película es realmente emocionante, desde los primeros minutos es imposible que los ojos no se humedezcan viendo la maravillosa interpretación de Francisca Gavilán como Violeta Parra, la pasión con que escribía, cantaba, vivía.  Me gustó poder relacionar sus canciones con las etapas de su vida, entender el por qué de ciertas canciones, de ciertas obras, algo fundamental para conocer a un artista. Finalizo con una frase de la Violeta; “Escribe como quieras, usa los ritmos que te salgan, prueba instrumentos diversos, siéntate en el piano , destruye la métrica, grita en vez de cantar, sopla la guitarra y tañe la corneta. Odia las matemáticas y ama los remolinos.

La creación es un pájaro sin plan de vuelo, que jamás volará en línea recta.”
Apoyemos el cine chileno, más que recomendable…Y que viva el producto nacional.


Renata Sagredo

"Toy Story 3"

Director: Lee Unkrich.

Reparto: Tom Hanks (voz de Woody), Tim Allen (voz de Buzz Lightyear), Michael Keaton (voz de Ken).

Género: animación.

País y año de producción: Estados Unidos, 2010.

Duración: 103 minutos

Calificación: TE

La primera película de toy story fue estrenada en el año 1995 fue la primera película que uso por completo animación, 15 años después nos deslumbra con la misma simpleza de un comienzo: relatar un buen cuento.

El año 2010 fue el año de las zagas  con sherk 4, Harry Potter, airón man y crepúsculo, pero una de las mejores sagas fue la del gigante Pixar Toy story 3, es el final de la historia de la pareja del vaquero y el guardián espacial. 

Once años han transcurrido desde que se estrenó la segunda parte en 1999, en aquel entonces Andy era todavía un niño que le entusiasmaba jugar con todos sus juguetes, pero así como el tiempo real ha pasado, para este personaje ha sido igual así que ahora ya es un chico de 17 años preparado para irse a la universidad, lugar donde ya no hay cabida para sus compañeros de plástico, trapo y porcelana.

Es muy interesante como Pixar a los largo de esta zaga va  desarrollando la evolución de Andy enseñándonos que hay que trascender y comenzar a dar paso a nuevas etapas de la vida, y embace a este crecimiento de  Andy los juguetes se ven sometidos a las aventuras que le dan vida a la zaga.   

Sin duda la tercera parte es la mejor y el broche de oro de la trilogía, nos hace reír, nos conmueve y nos causa nostalgia; toy story 3 combina las aventuras de las dos películas anteriores, creando no un conflicto central, sino cada momento tiene su conflicto yo que nos mantiene expectantes en cada minuto.


Corina Rebolledo

"The Notebook"

The Notebook (El diario de Noa en España y Diario de una pasión en Latinoamérica) es una película romántica del 2004, dirigida por Nick Cassavetes y basada en la novela del mismo nombre escrita por Nicholas Sparks. Los actores Ryan Gosling y Rachel McAdams dan vida a los protagonistas, una joven pareja que se enamora durante los años 1940. Su historia es narrada desde el día de hoy por un hombre de tercera edad, interpretado por James Garner, contando la historia a una amiga de su asilo, interpretada por Gena Rowlands.

Esta película es bastante buena ya que nos transporta a los años 40 para poder revivir un amor de verano, este amor es el típico de los adolecentes.

Noah Calhoun (Ryan Gosling), uno de los personajes principales de la película es un joven caballero, un tanto obsesivo en el comienzo de la relación pero por sobre todo un galán característico de las películas estado unidenses, por otra parte se encuentra Allie Hamilton (Rachel McAdams), una joven bellísima, de una condición social y económica  acomodada lo cual le trae problemas con sus padres, ya que el joven del cual se enamora es pobre y no tiene los mismos recursos que ella, la película muestra como con el pasar del verano se van enamorando perdidamente, lo que a los padres de la joven no les gusta ya que opinan que ella debe solo enfocarse en los estudios. Al terminar el verano se deben separar y sufrir mucho, aquí es donde la joven se va a estudiar a la universidad y el joven se alista en el ejercito de su país para la segunda guerra mundial. Pasado el tiempo Allie conoce a otro hombre, pero nunca pudo olvidar a Noah lo cual hace que con el pasar de los años se reencuentren y sientan el mismo amor que sintieron cuando jóvenes.

Para mi esta película es bastante buena ya que muestra muchos de los sentimientos que se sienten cuando uno es joven y solo vive para entregar amor, dejando todo de lado, además que recalca que con amor todo es posible, esta película yo la recomendaría para verla con una amiga, o la polola o simplemente con la familia ya que es bastante buena

Claudio Catalán

"Orgullo y Prejuicio"

La película orgullo y prejuicio adaptada de un libro de Jane Austen apodado igual a la película comienza con lo que podemos llamar “prejuicios”. En un baile llegan tres personas de la cuidad, estos son invitados de “honor” ya que  la familia anfitriona busca marido para sus hijas. Mientras terminaba el baile dos de los recién llegados al pueblo comentan que nunca habían observado mujeres tan lindas, y el otro le responde;
- Claro tu has bailado con la mas guapa del salón.- a lo que responde;
- Que si era la mujer mas maravillosa que he contemplado jamás, y su hermana Elizabeth es muy agradable- y antipática mente;
- Yo diría que aceptable pero no lo bastante guapa para tentarme.
Con esto podemos observar que todo gira entorno a prejuicios hechos por el mismo hombre sin conocer de verdad a la otra  persona.

El director de la película es Joe Wright, nominado a diferentes premios, director de la película “Rose and Rose”, “Pride and prejudice”.
La película esta basada es un libro (como se menciona anteriormente) de la escritora Jane Austen. La película es una novela que tiene orgullos de Ella (Elizabeth) y prejuicios de El (Sr. Darcy). Si nos dirigimos mas profundamente a quien es el publico a quien va dirigida la película o mas bien quien podría entenderla de mejor manera, son aquellas personas que pueden entender con claridad que es Orgullo y que es Prejuicio.

Al ver la película y tener conocimientos vagos del libro, son muy diferentes, el libro muestra una realidad mucho mas cruda de los hechos, en cambio la película lo muestra mas suave. También se puede observar que los diálogos están muy bien hechos, nada que decir acerca el libreto, estuvo todo muy bien logrados, los actores lograron hacer un buen trabajo en actuación, en adoptar el papel como si fueran ellos mis protagonistas (refiriéndome a la vida real), en ningún momento se nota algo sobre actuado o no logrado, quizá cambiaria un poco de la dureza de carácter del Sr Darcy, y tal vez algo del papel de las hermanas menores de Elizabeth. Las emociones que nos transmiten los actores se ven muy reales, si uno logra encontrarle el verdadero sentido a la película lograra ser parte de ella.
La mejor palabra que tengo para describir la, vestuario, maquillaje, escenografía es la palabra brillante, eso si hace notar mucho la diferencia de nivel económico, que bien para la época ere importante, pero muy extremista.

La obra cinematográfica “Orgullo y Prejuicio” según el parecer de algunos logra sus expectativas en todo sentido, desde la toma de las imágenes, actuaciones y mensaje.


Maria Constanza Figueroa
M3B

"En Busca De La Felicidad"

“No permitas que nadie diga que eres incapaz de hacer algo… Si tienes un sueño, debes conservarlo… Si quieres algo, sal a buscarlo. Y punto.” (…)

La cita anterior resume de gran manera el mensaje con que uno se queda luego de ver la película “En busca de la felicidad”

Estrenada el 2006 y basada en una historia real, protagonizada por Will Smith (quién fue nominado al Oscar como mejor actor producto de esta película) y su hijo Jaden Christopher Syre Smith, narra la historia de Chris Gardner, un hombre sumamente inteligente pero con un trabajo mal remunerado que le acarrea problemas financieros, esta mala situación provoca que su mujer lo abandone en busca de mejores oportunidades laborales y que lo echen de su hogar ya que no estaba en condiciones de pagar el arriendo.

Sin mujer, sin casa y sin dinero, Chris debe esforzarse arduamente por lograr salir adelante con su pequeño hijo Christopher  en la gran ciudad  de San Francisco y así, lograr encontrar la ansiada felicidad.

La historia gira en torno a dos grandes conceptos; “Amor” y “Esperanza”, siendo el primero la base del segundo, y es que es  el amor lo que hace que  Chris  continúe tenazmente  la gran travesía en la que se ha convertido su vida, todo con la esperanza de lograr tener una vida estable, segura y feliz junto a su hijo.

La familia pasa por experiencias difíciles. En un momento se encuentran sin un lugar donde poder dormir, y se ven  obligados a pasar la noche encerrados en el baño del metro, pero Gardner actúa de la misma forma que el protagonista de “La vida es bella”, transformando toda la situación en un juego, con el propósito de mantener a su hijo lejos de esa fuerte experiencia.

Esta película hace reflexionar sobre la vida; como nos “ahogamos en un vaso de agua”, sin comprender que existen problemas mucho más grandes, y que hasta esos son completamente superables cuando se tiene esperanza y un sueño porqué luchar.

Catalina Mayorga

M3B

"María Antonieta, la reina adolescente"

- Titulo Original: Marie Antoinette
- Año: 2006
- Duración: 123 minutos
- Director: Sofía Coppola
- Genero: Biopic Drama
- Guión: Sofía Coppola
- Reparto:
Kirsten Dunst: María Antonieta
Jason Schwartzman: Luis XVI
Rip Torn: Luis XV
Judy Davis: Condesa de Noailles
Asia Argento: Madame Du Barry
Marianne Faithfull: Emperatriz María Teresa
Danny Huston: Joseph
Molly Shannon : Tía Victoria
Steve Coogan : Conde Mercy D'Argenteau
Rose Byrne : Duquesa de Polignac
- Producción:
Francis Ford Coppola: Productor Ejecutivo
Sofía Coppola: Productor
Callum Greene: Co-Productor
Ross Katz: Productor
Christine Raspillère: Productor de línea
Paul Rassam: Productor Ejecutivo
Fred Roos: Productor Ejecutivo
- Música:
Jean-Benoît Dunckel
Nicolas Godin
Steven Severin
- Fotografía: Lance Acord
- Montaje: Sarah Flack
- Diseño de producción: K.K. Barrett
- Vestuario: Milena Canonero


Mucho se ha dicho de la cuarta película de Sofía Coppola, pero una cosa es segura, ésta genera reacciones de amor y odio. Se le ha criticado bastante por no ser un retrato fiel de lo que ocurrió en realidad, por su escaso valor en hechos históricos. Y quizás sea cierto, pero, nadie puede decir que el objetivo de la película, hacernos participes de la historia y lograr comprender al mitificado personaje de María Antonieta de una manera mas humana, no se cumple.
Esta película esta exquisitamente diseñada, con imágenes metafóricas (deliciosamente ambientadas en el palacio de Versalles) que nos introducen en la psicología y los sentimientos de una joven que fue sacada de su país, despojada de sus pertenencias y presionada por tener que entregarle a Francia el heredero que espera y que su impotente marido no consigue darle.
La música colabora bastante, es netamente de estilo new-age y punk rock lo que nos ayuda a recordar el hecho de que la protagonista no tenía mas de 14 años cuando empezó su travesía para llegar a la corona.
Como las anteriores obras de Coppola, está hecha desde el punto de vista de la mujer , por lo tanto ésta pasa a ser una historia atemporal con temas que son transversales a la vida de cualquier adolescente (aunque multiplicados por el hecho de gobernar Francia) lo que hace que sea tan fácil comprender a la reina y defender a este personaje que la historia a criticado por tanto tiempo.
Una película con una estética asombrosa, una trama que llega y una de las mejores actuaciones de Kristen Dust que e visto hasta el momento, 100% recomendable.

Soledad Rebolledo.

M3B

"Machuca"

Dirección: Andrés Wood
Año de realización: 2004
Género: Drama
País de origen: Chile y España
Guión: Roberto Brodsky Mamoun Hassan Andrés Wood
Producción: Gerardo Herrero, Mamoun Hassan, Andrés Wood
Producción de Sonido: Plató Sonido
Música: José Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Ambientación y Producción de Arte: María Eugenia Hederra
Escenografía: Alejandro Mono González
Diseño de Vestuario: Maya Mora
Diseño de Maquillaje: Guadalupe Correa
Elenco: Matías Quer (Gonzalo Infante), Ariel Mateluna (Pedro Machuca), Manuela Martelli (Silvana), Aline Küppenheim (María Luisa), Federico Luppi (Roberto Ochagavía), Ernesto Malbrán (Padre McEnroe), Tamara Acosta (Juana), Francisco Reyes (Patricio Infante), Alejandro Trejo (Willi), María Olga Matte (Miss Gilda)

Pedro Machuca es uno de los tres personajes principales de la película. Un niño de escasos recursos que llega a estudiar al Saint George's College, colegio católico y dirigido a la burguesía de la década de los 70 y cuyo Director, el padre McEnroe, quien inserto en un proyecto social, había abierto las puertas de su establecimiento a un cierto número reducido de alumnos de estrato social bajo lo cual genera mucha discriminación por parte de los alumnos y sus familias. Es en ese lugar  entabla amistad con Gonzalo Infante, un compañero de curso  que  vive económica y socialmente muy diferente a Pedro. Producto de esta amistad, Gonzalo conoce a Silvana, una amiga y vecina del campamento de Pedro. Son ellos tres quienes enfrentan no solo diversas experiencias coyunturales del año 1973 en Santiago de Chile, tiempo en que nuestro país era gobernado por Salvador Allende, un presidente socialista elegido democráticamente por el pueblo y cuya elección había producido reacciones por parte de la clase dominante de hasta ese entonces y los consecuentes enfrentamientos con  quienes defendían lo que habían ganado en las urnas.

Uno de los aciertos da machuca es su ambientación. Muestra para quienes no vivimos en aquella época, el Chile donde dos posiciones ideológicas totalmente opuestas se enfrentan en pos de defender lo que creen es justo. Por un lado, una derecha de elite, con privilegios inalcanzables para el resto del país y por otro lado una izquierda que cree tener que defender lo que legítimamente se había conseguido. Las escenas de gran realismo. El lenguaje discriminatorio, sectario de la derecha y el lenguaje de la izquierda que reflejaba una mentalidad de cambio y de nuevas oportunidades es así como se muestran las formas distintas de concebir el mundo y son traspasadas por las familias a niños inocentes que inevitablemente repetirán patrones. Por otra parte nos muestra la tarea de quienes se consideran maestros como el director Padre McEnroe que intenta a través de su proyecto de integración sensibilizar, humanizar y  hacer justicia social, a pesar de una derecha que no permite la igualdad entre los seres humanos. Una película que tiernamente muestra la crudeza de una realidad que va más allá de lo que se dio en esa época puesto que el problema de las diferencias sociales, la estigmatización y la discriminación siguen siendo problemáticas actuales.

Mariana Cabrera.

M3B

"La Vida Es Bella"

Es una hermosa película situada en los años de la segunda guerra mundial, donde el fascismo dominaba en un clima de tensión, pero que con un enfoque positivo.

La vida es bella, hace honor a su nombre al mostrar  el otro lado de la guerra, donde algunas personas a pesar de todas las desgracias e injusticias que estaban viviendo, mantenían la paz y esperanza, que en ningún momento pierden. Estos momentos estaban acompañados de una música inolvidable, donde florecen mucho más las emociones y se nos hace imposible dejar de ver la película, una de las pistas más reconocidas e importantes dentro de esta, es “La vita è Bella” compuesta por Nicola Piovani.

El personaje principal es Guido, un judío italiano que conoce a una mujer de la que se enamora y tienen un hijo llamado Josué, con el que Guido tiene una relación muy cercana y extremadamente cariñosa.

Los tres son llevados a un campo de concentración, donde transcurre la mayor parte de la película.
Es aquí donde el padre le hace creer a su hijo que todo lo que están viviendo es  un juego en el que se podrán ganar un tanque real como premio, y de esta forma Josué durante toda la película cree que está en un concurso, logrando  un final muy ingenioso.

En esos momentos podemos  apreciar que tan sólo con amor y mucho carisma  se puede ser feliz, dejando de lado todo lo malo.

Lo que mas me llamó la atención de esta película es la capacidad que tiene Guido para mantener la tranquilidad y viveza que lo caracteriza, sin importar en las condiciones ni el lugar en donde estén, si no que lo único  importante es la felicidad de su hijo.

También se puede destacar de la película, que tiene dos lados opuestos, un lado  trágico y otro cómico, ya que  presenta mucho carisma y alegría por parte del protagonista y su hijo, incluso estando en un campo de concentración, esto hace que el espectador se contagie de una serie de emociones, haciéndolo partícipe de la película.

Recomiendo que vean esta película, ya que al verla se podrán dar cuenta que se puede ser feliz con pequeñas cosas,  de las que puedas aprender, y lo mas importante, para que realmente comprendan que la vida es bella.

Macarena Zamora

M3B

"La Naranja Mecánica"

TÍTULO ORIGINAL: A Clockwork Orange
AÑO: 1971
DURACIÓN: 137 min.
PAÍS: England
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓNS: tanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)
MÚSICA: Wendy Carlos
FOTOGRAFÍA: John Alcott
REPARTO: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corry, Warren Clarke, John Clive,Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone
PRODUCTORA: Warner Bros Pictures / Stanley Kubrick Production
PREMIOS: 1971: 4 nominaciones al Oscar: Mejor película, director, montaje, guión adaptado
GÉNERO: Drama / Crimen. / Película de culto

La mente humana es un lugar lleno de enigmas, la conciencia, el inconciente, discernir entre el bien y el mal ¿Pero que sucedería si pudiéramos entrar a ese cuarto sin puerta? ¿Qué sucedería si pudiéramos condicionar a una persona para que no cometiera mal? ¿Estaríamos quitándole su condición humana, su derecho a errar?

     La naranja mecánica (título original A Clockwork Orange) de Stanley Kubrick, basada en la novela de Anthony Burgess, es un film de 1970 que nos sumerge en un mundo donde el descontrol, la corrupción y la “ultra violencia” vienen acompañados de los primeros rallos del sol de cada mañana.

    La perfecta actuación y la excelencia  del guión, hacen de este film una de las mejores películas que  se han creado en la historia. El delicado juego de la música, acompañada con la genialidad de Beethoven, la luz y la escenografía nos adentra al filo de la misma obra, nos empapa con el filo de las emociones, la brutalidad de las imágenes, la delicadeza de los monólogos.

  Es una obra plagada de critica social y cuestionamiento al ser ¿Es coincidencia que nuestro entorno se vea reflejado en esta película? ¿Es coincidencia que el sistema de mercado nos “acondicione” junto con la televisión, para que gastemos y desarrollemos necesidades en aspectos que no son necesarios? ¿Quién determina lo que podemos y queremos hacer?

  Sin duda alguna esta es un a película que todos tenemos que ver por lo menos una vez en la vida, una obra maestra. 

Paulo Díaz S.

"Eterno resplandor de una mente sin recuerdos"

Esta es la historia de Joel (Jim Carry) un joven inseguro y reservado que se enamora de Clementine (Kate Winslet) una joven impulsiva con cabello azul. Al principio se cuenta como Joel y Clementine empiezan una relación, hasta que un día las discusiones no daban para más y Clementine termina el noviazgo y luego de esto decide ir a una clínica en manos del doctor Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson) para que le borraran todos los recuerdos relacionados con Joel. Joel se da cuenta de esto y decide hacer lo mismo, pero en medio del procedimiento decide que quiere guardar los buenos recuerdos y en esta parte de la película se puede notar que ésta no sigue un orden cronológico. 

Al principio puede parecer confusa, pero la curiosa trama y los trucos visuales hacen esta película especial, y con una alta calidad de dirección de parte de Michel Gondry. Pero lo que distingue a esta película por sobre otras y que produce tanta emoción es el grandioso guión, a mano de Charlie Kaufman, ganador al mejor guión original en los premios Óscar del 2004. En la película, se ocuparon actores conocidos como Jim carry, Kate winslet, Elijah Wood y Kirsten Dunst. Una grandiosa actuación de Jim carry, al dar tanta emoción y caracterización del personaje y además por ser uno de los únicos papeles que no son cómicos. Sin duda la película es grata de ver y transmite sentimientos que dejan harto que pensar, además es una buena opción si uno está cansado de las películas románticas convencionales. La banda sonora sin duda, le da el toque de sentimentalismo y de originalidad, dirigida principalmente por John Brion pero también con otras canciones de diferentes autores.

Esta película te transporta a aquellos recuerdos que quieres borrar, pero luego te replanteas y los aceptas porque forman parte de ti, sin embargo el amor siempre perdurará dentro de nosotros y puede volver a surgir cuando menos lo esperamos.

Mariella Araya M3B

"El Padrino"

TÍTULO ORIGINAL: The Godfather
AÑO: 1972
DURACIÓN: 175 min.
PAÍS: U.S.A
DIRECTOR: Francis Ford Coppola
GUIÓN: Francis Ford Coppola & Mario Puzo (Novela: Mario Puzo)
MÚSICA: Nino Rota
FOTOGRAFÍA: Gordon Willis
REPARTO: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire,Richard Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda, Franco Citti
PRODUCTORA
Paramount Pictures / Albert S. Ruddy Production
PREMIOS: 1972: 3 Oscars: Mejor película, actor (Marlon Brando), guión adaptado. 11 nominaciones
1972: Globo de Oro: Mejor película: Drama


Con una trama que atrapa al espectador fácilmente, debido la aventura de bandas enfrentadas que se disparan, pero "The Godfather" también representa un hábil ensayo sobre luchas de poder y códigos de honor de una de las familias delictivas italo-americanas más grandes de la gran manzana.
 Además es imperante destacar los cambios que sufren lo personajes como Michael interpretado por Al Pacino, el único hijo de Don Vito que no tiene nombre italiano, el siempre estuvo al margen del bajo mundo, donde se movía su padre y hermanos, sin embargo, las circunstancias, le van arrastrando hasta el papel de padre de la familia. Todos podemos ver la transformación de ese personaje, y en cierta manera todos sufrimos con su cambio de vida, e ser un héroe de guerra hasta llega a ser la cabeza de una familia de la mafia italiana, aunque morbosamente disfrutemos viendo como se convierte poco a poco en un mafioso
La película presenta también un mundo dentro de otro mundo, la Italia Siciliana incorporada al sistema americano, como las familias mantienen sus tradiciones como el  machismo, el respeto a la familia, la lasaña... Además Muestra un fenómeno de cambio de época, tanto en el tema de comenzar a negocian con drogas, como en el relevo generacional.
La Épica cinta gangster concebida de la novela de Mario Puzo, y adaptada por él mismo junto a Francis Coppola, cuenta con las actuaciones de el gran Marlon Brando y la joven promesa, Al Pacino. Que sin duda crean el ambiente de la obra, con la pausada voz de don vito y el cambio de Michael que no dejan a nadie indiferente
El virtuosismo narrativo de Coppola se evidencia con mayor fuerza en las últimas escenas en las que hace un prodigioso uso del montaje, creando así la tonalidad épica propicia para esta cinta negra que iniciaría toda una nueva era dorada del cine americano
Recomendada para al que no le tiemble el pulso a la hora de apretar el botón del control remoto. No es nada personal. Sólo negocios.


Javier cuadra

"Donnie Darko"

Donnie Darko, una película estadounidense, rodada en el 2001,  dirigida por Richard Kelly, ambientada en el año 1988. Catalogada como thriller psicológico surrealista, trata sobre un adolescente quien sufre de esquizofrenia y debido a esto visualiza un conejo de tamaño humano llamado Frank, quien predice el día del fin del mundo.

Esta película también es catalogada como “película de culto”, un género el cual se refiere a que tratan sobre temas controvertidos o tabúes, y pasan inadvertidas pero aún así forman un grupo de aficionados.

La primera vez que vi esta película, recuerdo que tenía alrededor de 9 años, cuando la vi de nuevo a los 13 comprendí el real significado. Jake Gyllenhaal es un gran actor, especialmente por que ésta fue su segunda película, y protagoniza muy bien el papel de un adolescente esquizofrénico, que no es fácil. Logra transmitir la angustia del personaje, y la película en sí es bastante buena. El director R. Kelly supo administrar muy bien sus recursos para crear una película como esta, pareciera ser que todo lo acontecido fuera una simple casualidad en la vida de un estudiante, ya que no tiene la típica estructura de las películas, y yo creo que eso fue justamente lo que hizo que no tuviera un gran estreno.

La película trata como Donnie intenta salvar el mundo, siendo solo un adolescente incomprendido, que además sufre de una enfermedad horrible. En la escuela conoce a una chica, llamada Gretchen, ella y Donnie se gustan y comienzan a salir. Mientras tanto Frank sigue entrometiéndose en la vida de Donnie y persuadiéndolo para que haga cosas para “el bien de la humanidad” pues de todas formas el mundo acabaría en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos. Como hoy lo vemos, la sociedad siempre ha tratado de controlarnos de algún modo, y eso es justamente lo que Donnie quería cambiar, porque las mentiras que rodeaban su mundo eran enormes, y dolorosas al momento de la verdad. La película presenta varios personajes, los que apoyan al protagonista, lo que están en contra de el, los que no influyen, etc. pero existe un personaje en particular, una china llamada Cherita Chen, quien está enamorada de Donnie, pero representa algo así como un ángel que lo cuida, a él y a las personas con las que conviven. Ella aparece en momentos muy significativos para los personajes. Al final, Donnie se da cuenta de cómo puso en peligro la vida de una persona que no lo merecía, y decide cambiar las cosas.

¿Por qué llevas ese estúpido disfraz de conejo?
¿Por qué llevas ese estúpido disfraz de humano?

Josefa Schultz León

"Desayuno con Diamantes"

Título Original: Breakfast at Tiffany’s
Dirección: Blake Edwards
Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, Mickey Rooney, José Luis de Vilallonga, John McGiver.
País: Estados Unidos
Año: 1961
Producción: Paramount Pictures
Guión: George Axelrod (Novela: Truman Capote)
Música: Henry Mancini
Fotografía: Franz Planer
Duración: 115 min.
Género: Romance. Drama. Comedia.

Sinopsis: Holly Golightly (Audrey Hepburn) es una bella joven neoyorquina que, aparentemente, lleva una vida fácil, alegre y que sobrevive aprovechando sus encantos para obtener pequeñas cantidades de dinero de sus amigos nocturnos. Tiene un comportamiento bastante extravagante, por ejemplo, desayunar contemplando el escaparate de la lujosa joyería Tiffanys. Un día se muda a su mismo edificio Paul Varjak (George Peppard), un escritor que, mientras espera un éxito que nunca llega, vive a costas de una mujer madura y enlaza una gran amistad con Holly.

En esta película, ambientada en los años 60, la hermosísima Audrey Hepburn nuevamente nos deslumbra con su belleza y su gracia en lo que es la actuación. A pesar de ser la mujer que inició la moda “casual” dentro de las artistas de Hollywood, en esta película se presenta como una mujer muy glamorosa y sin duda, lo realiza de manera impecable.
La historia que se desarrolla en esta película consiste en un guión muy básico y de poca profundidad, pero que resulta entretenido a aquel que quiera apreciar una comedia romántica ni muy tensa ni muy suave. La historia se realiza de manera muy pareja y con gran critica a lo que es el mundo del espectáculo y del glamour y de lo que se debe hacer o decir para estar con la gente importante y de dinero como lo hace la protagonista en esta historia.
La musicalización de esta película, fue todo un éxito, gano premios Oscar y marco un hito en lo que a bandas sonoras se refiere. La música de esta película es lo más destacado de ésta y a pesar de que las actuaciones igual fueron bastante aplaudidas, en especial la de Audrey, no obtuvo mayores logros o premios.
Una película plana, sin altos ni bajos, de carácter liviano a mi opinión, pero que al final deja una gran enseñanza a las personas que les gustan los temas de amor, dejarse llevar por el interior y el corazón, mas que por el exterior o por lo que la persona tiene, no formar una coraza a quienes tienen la intención de dar amor a toda costa y que no tienen miedo a amar. Y es a lo que se refiere Paul al decirle a Holly al término de la película:

“Sabes lo que te pasa, no tienes valor, tienes miedo, miedo de enfrentarte contigo misma y decir: está bien, la vida es una realidad, las personas se pertenecen las unas a las otras porque es la única forma de conseguir la verdadera felicidad. Tú te consideras un espíritu libre, un ser salvaje, y te asusta la idea de que alguien pueda meterte en una jaula. Bueno nena, ya estas en una jaula, tu misma la has construido y en ella seguirás vayas adonde vayas, porque no importa adonde huyas, siempre acabarás tropezando contigo misma.”

Cada uno construye sus propias jaulas, corazas o cajones que llevara de por vida, en este caso Holly creo su propia jaula para que nadie entrase, pero no se percato de que ella misma había quedado prisionera.



Alejandra Pozas Valenzuela.

"Tenacious D: the pick of destiny"

Película del género de comedia musical. Relata la historia de JB (Jack Black) un joven que sueña en convertirse en el mejor rockero de la historia. Para ello debe sortear un sinnúmero de obstáculos, entre ellos el mismísimo Beelzeboss. Los problemas comienzan desde que JB era pequeñito ya que vivía con una familia extremadamente católica y, su padre, le ordena adorar a Dios mientras el este en su hogar. Encerrado en su pieza nuestro protagonista tiene una visión en la que Ronnie James Dio le dice que debe formar la banda de rock más grande de la historia. Le obedece y parte hacia Hollywood. Allí conoce a quien será su compañero en esta travesía musical, un personaje llamado Kage (Kyle Gass) quien asegura conocer a los de Black Sabath y tener contactos por ese mundo de la música. Se van a vivir juntos como alumno y maestro, pero pasado el tiempo JB descubre que Kage no es más que un farsante, mantenido por sus padres que además rompió su guitarra y se gasto el dinero de la renta en cualquier otra cosa, menos la renta. Luego de ver en que se había ido el dinero destinado a la renta, JB decide quedarse y ayudarlo a pagar, para lo cual se meten a un concurso de bandas. En esta ocasión solo sirve ganar así que van en busca de un objeto místico y poderoso: la uñeta del destino, un pedacito mismo del diablo (un colmillo). Llegado el momento, los conflictos comienzan por quien usa primero la uñeta, la cual se rompe y deja de tener poder. Pasado ese momento, llega el verdadero dueño de la uñeta, el mismísimo Satanás a recuperarla. Se desata una batalla de rock en la cual nuestros dos ineptos protagonistas salen vencedores y mandan al demonio al infierno. Muy buena película si te gusta la comedia y la música, en especial con actores como estos.

Constanza Astorga

M3B

"Crepúsculo"

En el film "Crepúsculo" se representa bajo la figura del vampiro Edward Cullen, el símbolo de un amor en conflicto en donde la decisión, la aventura entran en juego junto al verdadero amor.
La obra aparece como una visión moderna de las relaciones afectivas, no obstante de estar basada en la milenaria historia de vampiros.

A mi juicio esta película a captado el interés masivo del público, especialmente del público juvenil debido a que las personas de esta edad se identifican con amores ideales, conflictivos e inalcanzables. Presenta un efecto catártico, puesto que los jóvenes a través de ella vivencian experiencias similares a las de los personajes.

Además el otro personaje de esta pelicula Jacob Black " el hombre lobo",  es el fiel reflejo del tercero en discordia en todo triángulo amoroso.
En la película Edwar señala textualmente " Que el león se enamoró de la oveja" aludiendo a su amor con Bella Swan, es ahí donde se recalca la atracción del fuerte por el más débil o mejor dicho la atracción que nace entre dos seres de diferente naturaleza.

Es una obra de escencia romántica que hace que el espectador se sienta tan identificado con el personaje, al punto de enamorarse de él y vivir las escenas como experiencias personales.
Por otra parte cabe agregar que son amores que están permanentemente en pugna en función de las diferencias que existen en el medio externo como en su ser interior, lo que hace que la relación sea aún mas tormentosa para los protagonistas y  para el espectador.

En la escena final de la película se deja en suspendo o se crea la interrogante de que va a suceder con sus vidas ¿seguirán juntos para siempre? , ¿se separarán en algún momento? o ¿todo se mantendrá igual?, lo cuál crea nuevas espectativas respecto a la relación futura entre los personajes. Esto despierta un interés latente en el público a la espera de que sucederá en la próxima pelicula de la saga.
Según mi opinión es un film interesante, atractivo y representativo de las vidas amorosas de los adolescentes de cualquier parte del mucho, por lo tanto la juventud tiene una gran identificación con el argumento de la obra, porque tiene el mérito de hacer realidad una ficción.


Katherine Acuña
M3B

"Cisne Negro"

Título Original: Black Swan

Dirección: Darren Aronofsky

Nacionalidad: EEUU  

Año: 2010

Guión: John McLaughlin, Andrés Heinz y Mark Heyman

Música: Clint Mansell

Intérpretes: Natalie Portman (Nina), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Mila Kunis (Lily), Barbara Hershey (Erica), Winona Ryder (Beth)

Cisne negro no es una película sobre ballet, sino un thriller de horror psicológico de atmósfera turbia que estudia visualmente los abismos de la locura. Cisne negro muestra la historia de una destacada bailarina de ballet de la ciudad de New York que se consume totalmente con la danza. Ella vive con su madre, una ex bailarina y por lo demás bastante posesiva. Cuando el director decide sustituir a su estrella Beth, para poder abrir la nueva temporada de El lago de los cisnes, su primera opción es Nina, pero Nina tiene competencia: La nueva de la compañía, Lily.


Al ver la película se puede apreciar un mundo desconocido para el que no conoce el ballet, donde las sonrisas y la belleza dejan paso a la crueldad y al sufrimiento al que se ven sometidos sus protagonistas. Es en este mundo donde la protagonista se enfrenta consigo misma luchando por lo que es y por lo que su papel le pide ser. Es un mal viaje que nos muestra la autodestrucción del ser humano al perseguir sus sueños.


Natalie Portman, elegida por el director de la película debido a su experiencia como bailarinas y sus estudios de psicología, interpreta a Nina, una bailarina introvertida que se enfrentará contra ella misma sufriendo una dualidad que la llevará a la esquizofrenia dentro de dos mundos; su vida y su pasión. Los personajes secundarios están perfectamente interpretados, sobre todo el de la madre obsesiva, y la frialdad y violencia sexual con la que dota Vincent Cassel, es realmente imposible permanecer impasible a ellas.
Una gran película, logra un nivel visual casi perfecto. Tanto la iluminación dentro y fuera del teatro, como los efectos especiales están muy bien hechos, logrando así unas atmósferas muy bien diferenciadas.




Camila León.
M3B

"En busca de la felicidad"

Titulo: “En busca de la felicidad”
Director: Gabriele Muccino
Guion: Steve Conrad
Elenco: Will Smith, Jaden Smith, Thandie Newton, Brian Howe, Dan Castellaneta, James Karen.

Es una película norteamericana del año 2006, basada en una historia real, dirigida por Gabriele Muccino y protagonizada por Will Smith, que fue nominado al Oscar como mejor actor por su interpretación del papel Chris Gardner.

Chris Gardner es un empresario afroamericano que tiene una esposa y un hijo llamado Christopher. Este padre de familia pasa por un mal momento en que la presión económica hace destruir a esta familia y Chris se transforma en un padre soltero, teniendo que sacar a flote a su único hijo. Intenta buscar un trabajo mejor pagado y encuentra una práctica en una importante empresa. A pesar de no recibir un sueldo,  él mantiene la fe en que en esa empresa le iban a dar un trabajo, pero esperando ese tan anhelado trabajo es en donde vive todas sus mayores complicaciones, como por ejemplo, lo echan de la pieza que arrendaba por lo que tuvo que irse junto con su hijo a un centro de acogida. Pero es ahí donde se propone salir adelante con su hijo y poder ser exitoso.

En esta película a mi parecer se muestran valores muy importantes y que se han estado perdiendo hoy en día, que son la iniciativa, el querer ser éxito, la entrega, la perseverancia, entre otros. Esta película tiene que ser un ejemplo para nosotros debido a que fue un hecho real y además para darse cuenta que todos piensan que la felicidad está en las cosas materiales y en el dinero, es decir, vivimos en una sociedad individualista y consumista, pero este pensamiento que tienen la mayoría de las personas está errado, debido a que la verdadera felicidad se encuentra en la unión de la familia, en que a pesar que estemos viviendo un pésimo momento con optimismo todo se puede solucionar.
“Si tienes un sueño, trata de protegerlo”  (En busca de la felicidad, 2006)

Andrés Acuña
M3B

"Pearl Harbour"

Título: Pearl Harbour
Director: Michael Bay
Guión: Randall Wallace
Elenco: Ben Affleck (Rafe McCawley), Josh Hartnett (Danny Walker), Kate Beckinsale (Evelyn Johnson)
País: Estados Unidos
Año: 2001

Pearl Harbour es una historia de amor que se encuentra bajo un contexto de guerra. Basada en la segunda guerra mundial, en el ataque entre Japón y Estados Unidos en la isla que lleva el nombre de la película, nos muestra cómo es que se vivía en ese periodo y lo complicados que eran los amores, ya que por lo general eran entre los uniformados y las enfermeras quiénes durante la guerra tenían que servir a su país.
Durante el inicio de la película, presenciamos principalmente escenas emotivas, que muestran la vida fuera de la batalla y cómo se va produciendo este trío amoroso, agregando también una cuota de humor. Sin embargo, a medida que avanzan los minutos, la película se vuelve triste, provoca suspenso y mantiene al espectador atento a todo lo que pueda pasar, ya que comienzan los ataques y a quién dieron por fallecido vuelve luego de seis meses en donde todos habían continuado su vida y el amor de su vida esperaba un bebe de su mejor amigo.
Además en paralelo se ve la historia de un marinero de raza negra quién de estar en un puesto menor, principalmente por su color, logra ser reconocido por la marina norteamericana por su excelente labor durante el ataque japonés.
 En cuanto a los actores principales, se ve que trabajan muy bien juntos y logran provocar en los espectadores muchas emociones.
Sin duda, la música es un protagonista de la película. Del productor Hanz Zimmer, las canciones logran estar en el momento perfecto para quienes ven la película, ya que desentonan con el ambiente bélico que contempla el espectador.
Precisamente con el tema principal de la película “There you’ll be” se escucha la voz de la actriz principal quién nos recuerda que aún hay alrededor de 1400 americanos en las profundidades del océano pacífico que se hundieron en el buque Arizona.

María José Urbina Moukarzel

"Ciudad De Dios"

Película brasileña publicada en el año 2002 dirigida por Fernando Meirelles. Basado en hechos reales, se centra desde finales de los años sesenta hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico de drogas y la violencia impusieron su ley entre la miseria de las favelas.

A lo largo de la película existe una precariedad e inseguridad en la vida de las personas, una evidente violencia que parte desde la infancia y en el hogar, como algo normal que ayuda a la manipulación de muchos grupos de personas. Aun así, el mundo de las drogas se torna un negocio exitoso para los mafiosos, y a la vez un pacto de miedo y corrupción.

Durante el desarrollo de las casi dos horas de película se engancha al espectador, puesto que el clima que se presenta para abordar el tema social en las favelas brasileñas es casi real. Sin duda, lo que uno imagina sobre esto no está ni a los talones de la realidad, y con el ritmo que posee la película te mantiene al pie de todas las escenas. No permite que se le deje de prestar atención, pues las acciones de sus violentos personajes, que se desarrollan sin cautela, te mantienen latente a la aventura. Sin embargo, con la frialdad con que se muestra la pobreza, miseria y el gran instinto de supervivencia bajo cualquier riesgo en Brasil, es inevitable adquirir una moraleja, que permite y lleva a la reflexión.

El gran acercamiento que cautiva al espectador, se centra en que se inmersa en pocos minutos en una cultura y realidad escalofriante, dejando de lado todo ese otro Brasil que se camufla tras palmeras, y esas hermosas postales de Río de Janeiro.

Un ritmo desventurado, un argumento de fondo atractivo, personajes vehementes, diálogos crudos  y montaje que logra total credibilidad y realidad, son algunos de los argumentos que incitan a recomendar esta película. No sólo por su gran enfoque social, sino por toda la realidad que el director logra plasmar en tan sólo 130 minutos de película  con imágenes que hacen alucinar y un acompañamiento musical totalmente concordante.


Florencia Salgado Cofré
M3B

"Che, El Argentino"

Titulo Original: Che, The Argentine

Año: 2008
Duración: 131 minutos
Director: Steven Soderbergh
Genero: Drama
Reparto: Benicio del Toro (Che), Demián Bichir (Fidel Castro), Santiago Cabrera (Camilo Cienfuegos), Elvira Mínguez (Celia Sánchez), Jorge Perugorría (Joaquín), Edgar Ramírez (Ciro Redondo), Victor Rasuk (Rogelio Acevedo), Armando Riesco (Benigno), Catalina Sandino Moreno (Aleida Guevara), Rodrigo Santoro (Raúl Castro), Unax Ugalde (Pequeño Cowboy), Yul Vázquez (Alejandro Ramírez).
Guión: Peter Buchman; Basado en “Pasajes de la Guerra Revolucionaria” de Ernesto Guevara
Producción: Laura Bickford y Benicio del Toro.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: Peter Andrews.
Montaje: Pablo Zumárraga.
Diseño de producción: Antxón Gómez.
Vestuario: Bina Daigeler.


Todo parte con una pregunta al Che, ¿Qué pasaría si Estados Unidos ayudará a los Países Sud americanos? ¿No se perdería la fuerza del movimiento? Aquí es donde nace la película.


Steven Soderbergh, consciente de la importancia del Che, decide plasmarlo en un documento que lo trata de hacer lo más histórico y realista posible. Una de las mejores cosas de esta película reside en su capacidad de contar dos hechos centrales, que son su estadía en Estados Unidos y su avance por Sierra Maestra hasta la Habana en Cuba.


El Director del film, también busca renovar la visión del Che, para las nuevas generaciones, mostrarles que el actuar del controvertido personaje cambió de por vida el pensamiento Latinoamericano.
Otro aspecto destacable son en si mismos la entrevista ficticia hecha a nuestro personaje, donde se nos cuenta y nos relatan las fundamentaciones del llamado “Guevarismo”. Dentro del mismo punto cabe destacar la presentación real y representada del discurso del Guerrillero en las Naciones Unidas.


El hecho de haberse basado en el libro “Pasajes de la Guerra Revolucionaria” de Ernesto Guevara, le otorga el plus correspondiente y la contextualización necesaria. Además de otorgar al rodaje la capacidad de flexibilizarse a la historia real de nuestro protagonista.


Esta gran característica también tiene sus defectos dentro de la película, debido a que esta omite en su totalidad el por qué y las razones con las que cuenta el Che para llegar a ser parte de la Guerrilla Revolucionaria, o por otro lado cuales fueron las circunstancias de su vida que lo llevaron a tomar esta dura decisión que marcaria a todo un continente. Y también un gran defecto que presenta la película para su desarrollo se encuentra en tener una única base de inspiración principal, de forma que en ningún momento se vio o se baso en un libro contrario o que fuese capaz de manchar la imagen idealizada y perfeccionista que se presenta en el libro del personaje real. Por lo que podríamos declarar que la película claramente puede tener cierta influencia a favor de lo que sería la buena imagen del Che.


Pese a todo, lo mejor y más destacable del Film, recae en el actor Benicio del Toro, con su perfecta actuación del Che, no solo es destacable su gran parecido con Ernesto Guevara, si no también su impecable actuación y representación tanto física como espiritual de nuestro personaje principal.
Sin embargo, y poniendo en balanza es una gran película capaz de plasmar de viva forma la vida de un personaje controversial del siglo XX, pero sin embargo aún quedó muchos elementos por extrañar como lo son una explicación inicial. Pese a esto no podemos dejar de pensar en que este film está tirando para abajo, es una de las grandes producciones históricas y realistas, que merece la pena ser vista, y disfrutada a su máxima capacidad.




Gonzalo Tapia M3B

"Amor Ciego"

En el último tiempo los hermanos Farrelly  han ido perdiendo fama, sus películas ya no son lo suficientemente  oportunas como para llamar la atención del público, después  de haber alcanzado el máximo éxito con la filme Algo pasa con Mary, bajaron en picada sus logros tras exponer en la pantalla grande su penúltima película llamada Ósmosis Jones. Con esta comedia llamada Amor Ciego, estos dos directores parecen aumentar su nivel de ventas, pero sin acercarse en lo más mínimo a su máxima obra. Un necio hombre que prometió  a su padre, cuando éste estaba en su lecho de muerte, no tener ninguna relación con una mujer que no estuviera bien dotada físicamente, sin él ser precisamente agraciado, se ve envuelto en un suceso muy extraño,  por el que se encuentra hipnotizado, confundiendo así la belleza interior con la exterior, bajo este hechizo, se enamora de una mujer de bastante peso, y no muy agraciada físicamente, ayudante de un hogar de niños quemados, además de hija de su jefe. A todo esto, él es el único que la ves con el cuerpo perfecto, lo que le trae una serie de problemas, que logran solucionar.


En el momento en que éste hombre se da cuenta que está hipnotizado, hace lo imposible, hasta que logra revertir el hechizo, lo que trae una serie de complicaciones en la relación, pero el personaje interpretado por Jack Black, se da cuenta que lo importante es verdaderamente lo que viene desde el interior de una persona, dándole a la comedia un fin poco común. Esto nos hace reflexionar acerca de un tema que está muy de moda hoy día y que trae tantas graves consecuencias como son la anorexia o bulimia, la estética. Gran parte de la sociedad actual piensa que lo físico es lo más importante, está película nos demuestra lo contrario y se expresa en contra de la descalificación física.




María Jesús Bravo M.
M3B Humanista.

"Across the Universe": A través del universo de las películas

Título original: Across the universe (A través del universo).
Año: 2007
Duración: 133 minutos.
País: Estados Unidos.
Idioma: inglés.
Dirección: Julie Taymor.
Guión: Dick Clement y Ian la Frenais.
Producción: Jennifer Todd, Suzanne Todd, 100 Bares, Charles Newirth.
Música: 32 composiciones escritas por los integrantes de “The Beatles”
Género: drama / musical
Reparto: Jim Sturgess, Evan Rachel Wood, Joe Anderson, Dana Fuchs, Martin Luther McCoy, Teresa Victoria Carpio.
Apariciones especiales: Bono (vocalista del grupo musical U2), Eddie Izzard, Joe Cocker, Salma Hayek.

Sinopsis: Across the universe es un musical ambientado en los años 60, con música única y exclusivamente de “The Beatles”, sus personajes también son ambientados en ídolos de los 60 como Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Quarry men (un grupo que fue la base de fundación de the Beatles) y finalmente, The Merry Pranksters un grupo que predicaba experiencias psicodélicas por todo el país. Los nombres de cada personaje también están relacionados con nombres de canciones del grupo.
 Este filme trata de un chico inglés llamado Jude que viaja a Estados Unidos para encontrar a su padre y en su travesía conoce a varios personajes que se vuelven importantes en su vida, encuentra el amor, amistad, experiencias psicodélicas, problemas, guerra, revoluciones  y por sobre todo, música.


Crítica: Este filme, está dirigido para un público desde adolescentes hasta adultos mayores si se desea, debido a que dentro de la película se muestra un tipo de vida propio de los años 60 en donde el LSD era parte fundamental de grupos revolucionarios y psicodélicos. Esta característica de la película está muy bien adaptado a como vivían lo años 60 los integrantes del grupo “The Beatles” ya que se sabía que ellos eran revolucionarios de la época, y que sus canciones y videos musicales estaban relacionados con experiencias psicodélicas causadas muchas veces por el LSD.
 Across the universe no es solamente ficción, la película se adapta fielmente a los años de guerra que vivía Estados Unidos (guerra de Vietnam 1964) en donde incluso, algunos de sus personajes participan en esta y posteriormente contradiciendo esta guerra y los problemas políticos en los que estaba involucrado el país, los movimientos psicodélicos y pacifistas, propios también de estos años.
Este musical, es liviano, entretenido y diferente, contiene imágenes y tomas muy bien hechas simulando los efectos del LSD, todas las canciones están muy bien adaptadas a las originales, las voces y coreografías hacen que el espectador se mantenga atento a la película e incluso para los que no son admiradores del grupo “The Beatles” o poco conocen de él, es un buen filme que logra captar la atención y las ganas por saber o escuchar a estos grandes ídolos de la música.
Concluyendo, recomiendo totalmente esta película para aquellos amantes de los años 60, amantes de la música y por sobre todo, amantes de “The Beatles” ya que es una muy buena adaptación de aquella época, entretenida y liviana promete mantener la expectación y hacer cantar aquellas canciones tan conocidas por el mundo.


Camila Mesa Figueroa

"Amelie Poulain"

Título Original: Le Fabuleux Destin d’Amelie Poulain

Año: 2001

Duración: 122 minutos

Director: Jean-Pierre Jeunet

Género: Comedia Romántica

Reparto: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Isabelle Nanty, Rufus, Jamel Debbouze, Yolande Moreau, Dominique Pinon, Ticky Holgado y André Dussollier.

Idioma: Francés
Guión: Guillaume Laurant, Jean-Pierre Jeunet.
Producción: Claudie Ossard.
Música: Yann Tiersen
Montaje: Céline Kelepikis
Vestuario: Emma Lebail

Esta película en sí es “rara”, quizá sea otra la palabra pero no es igual que otras películas, desde el inicio muestra las cosas tan simples que disgustan o no a las personas pero con un simple fin, dar a conocer con el personaje de Amélie que solo con lo mas mínimo uno llega a un estado de ánimo feliz.  

La música fue muy acertada ya que no es cualquier melodía, son canciones que caen justo en determinadas escenas lo que las hace mas especiales dentro de la película.  Un guión con las palabras precisas en donde crea personajes irreales pero con mucha vida al mismo tiempo. El reparto en sí fue elegido especial para cada personaje de la historia sobre todo el principal donde Audrey Tautou realiza su personaje tan bien que ni se imagina que sea la misma actriz del código Da Vinci.

La personalidad de Amélie es lo que más llama la atención, ella es rara, sencilla y feliz  además lo que a ella le llama es hacer felices a los demás y disfrutar las cosas más simples de la vida, cosa que no se da muy común en las películas comunes y corrientes.

María Constanza Bórquez A

"La decisión más difícil"

En el momento que se me otorga el deber de generar una crítica sobre alguna película que yo desease, se me vino a la mente inmediatamente  la película “la decisión más difícil”.

Esta llega por recomendación de una muy buena amiga y respaldada por los críticos, sumado al connotado elenco que en esta trabaja (conformado por: Cameron Díaz, Jason Patric y Alec Baldwin) , verdaderamente y a juicio personal la película a buenas y a primeras no me llamo la atención, pero frente a las buenas críticas y recomendaciones me vi prácticamente en la obligación de verla para poder forjar un fidedigno juicio critico

Esta película trata un tema tan delicado como es el de las relaciones familiares en escenarios tan frágiles y complicadas  como las son las enfermedades catastróficas, en este caso la hermana mayor (Kate) de tres hermanos padecía desde bebe  una aguda leucemia que derivaba en múltiples patologías .La única forma de ayudar Kate era que a partir de su ADN  y su tipo de sangre naciera una hermana para poder así ayudarla con transfusiones sanguíneas , pero nadie nunca se imagino que cuando Anna creciera se negaría a ayudar a  su hermana....

Esta demanda  a su madre (Sara, interpretada por Cameron Díaz), pero todo fue una sorpresa, por que cuando la madre que cegada por su afán de vida, observa con mayor detención la situación se dé cuenta que su hija se ha aburrido de luchar contra la enfermedad y tan solo a utilizado a su hermana para entregarle un mensaje a su madre, y ha llegado la hora de tomar una difícil decisión.

Como pueden inferir esta película trabaja con un mensaje tan profundo y delicado, que al receptor es imposible que no le emerjan distintas emociones  a lo largo del desarrollo de esta hermosa historia, que nos enseña en su desenlace que en la vida se deben tomar decisiones difíciles, pero que estas se deben respetar

Al concluir esta critica debo destacar los altos niveles valoricos entregados y por supuesto no puedo dejar de recomendar esta excelente película, que nos da lecciones de vida y nos recuerda que nunca debemos dejar de ponernos en el lugares distintos al nuestro. ¿Qué haría yo si me tocara decidir alguna complicada decisión?

Alonso Guzmán López, M3B

"El Club De La Pelea"

Todos hemos alguna vez en nuestra vida inventado un personaje, un "yo" el cual anhelamos ser. Una persona que es todo lo que nosotros no somos:
Mejor al pensar, mejor hablando, mejor expresándose, mejor teniendo sexo y mejor viviendo. Una persona que jamás llegaremos a ser
porque vivimos en un mundo tan rutinario y  material en el que "todo se vuelve la copia de una copia de una copia", tal como lo señala "El Club de la Pelea"

"No eres tu trabajo, no eres tu cuenta bancaria, no eres el coche que tienes, no eres el contenido de tu billetera,
no eres tus malditos pantalones. ¡¡¡Eres la mierda cantante y danzante del mundo!!!"
Tyler Durden, El Club de la Pelea

La reflexión forzada que nos deja esta cruda película, en la cual, quien la viva se da cuenta de las ligaduras a las
cuales estamos sujetos todos los días (desde nuestras comodidades hasta nuestros sentimientos e incluso las personas que nos rodean), hace relación
a la doble personalidad que podemos llegar a desarrollar,  producto de este ente superior a nosotros mismos que a toda costa anhelamos ser.

Este film es uno de aquellos repletos de mensajes subliminales y que comenzamos viendo al revés, por casi la última escena, en la cual encontramos a este
personaje trastornado de la sociedad, con una pistola metida en su boca y una voz que le pregunta "¿Tus últimas palabras?", a lo que
el otro responde, de manera dificultosa producto del arma que penetra en sus labios:

-"No se me ocurre nada".

 Entonces comienza el flashback más impresionante, intrigante y perturbador que cualquier persona que se considere o no normal, haya visto.
Produce una catarsis tan explosiva que, quien pruebe este plato fuerte de 2 horas y 30 minutos,  siente instantáneamente que
han violado sexualmente al "yo"  consumista y acomodado a nuestros tiempos repletos de tecnología  y otras cosas innecesarias, que lleva dentro.
 De modo que quien esté leyendo en este preciso instante esta crítica, puede autocuestionarse ¿para qué estar sentado frente a una pantalla? ¿Para qué
estar leyendo tanta porquería y letras diminutas? ¿No tienes nada mejor que hacer? ¿Eres tú un inconformista? Y si tuvieses que morir en este
preciso instante ¿Cuáles serían tus últimas palabras?

-"Aún no se me ocurre nada"


Marta Moya

"GOAL!"

Pelicula : GOAL!
Año: 2004
Duración : 1hora 45 minutos
del orbe
Reseña: El tema de esta película es un concepto bastante tratado en el mundo del cine , como lo es el deporte más popular del orbe , el fútbol , muchas películas han salido a la comercialización pero muchas de éstas no han logrado saciar del todo al fanático por excelencia , ya no que han logrado plasmar del todo el verdadero espíritu futbolístico .

La trama cuanta la hisotria de Santiago Múñez , un muchacho asmático de origen mexicano quien juega al fútbol con sus amigos en el club de su barrio , como el típico "sueño del pibe " , Santiago posee un don con el balón en los pies y no tarda en llamar la atención de conocidos y ajenos con sus regates y dribbles , sueña con jugar en un club grande de Europa y ayudar a su familia económicamente .

Un veedor de un club europeo lo invita a probarse en el Newcastle United , quien buscaba formar su equipo con estrellas jóvenes para proyección . Pero haciendo analogías con la película "Rocky" su comienzo no fue fácil , ya que Santiago al llegar a Europa notó todas las diferencias que habían entre jugar en un potrero a jugar en el St. James Park  , los problemas que esto también conlleva , la fama malentendida : excesos , malas amistades , fiestas , mujeres, alcohol , entre otras  hacen a Santiago poner en riesgo su prometedora carrera , además de siempre estar encadenado a su problema pulmonar .

Pero con la ayuda de su entrenador , Santiago logra sentar cabeza y darse cuenta que si de verdad quiere seguir su sueño debe abocarse a por el todo de este y no dejarse llevar por los vicios

Opinion Personal: Esta película me llegó bastante y me siento totalmente identificado con ella , ya que en muchos aspectos de la vida personal  nos vemos afectados por problemas personales que nos hacen poner en duda si seguir nuestros sueños o metas son lo correcto o dejar de pensar en ellos totalmente , además despierta ese espíritu de
lucha ,de nunca dejarse vencer , de sobreponerse ante todo.


Ignacio Díaz

"Corazón valiente"

“Corazón valiente” o también conocida como “Braveheart” fue estrenada el 24 de Mayo de 1995 en los Estados Unidos. Ganó el Oscar a la mejor película y otros cuatro premios de la Academia, por lo cual se puede considerar una gran película a la luz de la crítica. Es dirigida y protagonizada por Mel Gibson, que con una apasionada actuación y notable dirección logra llegar al corazón de los espectadores. Randall Wallace, el guionista, nos envía directamente a la edad media, más específicamente al Reino Unido del siglo XIII. Allí nos encontramos con Sir William Wallas, un hombre que de pequeño vio los abusos y la tiranía del rey Eduardo “piernas largas”, y que termino siendo un caudillo de la independencia escocesa, luego de que las fuerzas del Rey asesinaran al amor de su vida.

Los maravillosos, húmedos y verdes paisajes, son mostrados con la amplitud necesaria para resaltar realismo en las escenas, destacando todos los aspectos importantes para su contexto. Otro aspecto que debemos rescatar es la música. Acompaña armónicamente el ritmo del film, y no solo eso, además es música celta, que representa la cultura escocesa, reproducida por instrumentos clásicos. Logra transmitirnos distintos tipos de sentimientos, acorde con la dureza y franqueza de sus imágenes.

Las escenas están muy bien editadas, tanto así, que la mas de dos horas de película, resultan desapercibidas por el espectador, de forma que la duración, no provoca la perdida de atención del público.

“Corazón valiente”, es sin duda una obra maestra, no solo por generar emoción, también por el hecho de que inspira en la gente el sentimiento de añorar la libertad, y que el sacrificio de un serhumano puede mover montañas.

Camila Cabezas.